PROTOTYPING
SOUND & MOTION
CHOREOGRAPHY

Design Culture Dispatch
Three themes at a time
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WHY OBSESSION?

OBSESSION è il mio primo esperimento nel mondo delle newsletter, ed è per questo motivo che ho chiesto a molti amici cosa ne pensassero di questo formato. I sondaggi non sono strumenti perfetti, ma rappresentano comunque un buon modo per misurare il valore delle cose fatte e capire se è necessario apportare modifiche qua e là. Tuttavia, la cosa più sorprendente quando si chiede all'esterno è che la risposta può essere inaspettata, aprendo scenari mai esplorati in quel momento.

Stefano, una persona di cui nutro una grande stima professionale, suggerisce di includere dei disegni o esplorare graficamente le storie trattate, giocando su una modalità di racconto ancora poco vista. Aggiunge che la parola 'OSSESSIONE' dovrebbe essere ulteriormente rimarcata durante la lettura. Invece, Gianluca e Luigi suggeriscono semplicemente di scrivere meno, lasciando al lettore approfondimenti su altri canali.

Antonio e Matteo, quest'ultimo già con esperienza nelle newsletter, mi consigliano di definire chiaramente il tipo di lettore a cui mi sto rivolgendo. Direi a questo punto, è una cosa fondamentale. Una cosa molto piacevole che sto riscontrando è che ognuno vede nel progetto una lettura in cui può raccogliere idee stimolanti, e ognuno lo fa con una modalità unica difficilmente categorizzabile. Molte suggestioni sono di grande valore, specialmente quelle sul definire il lettore a cui si rivolge questa newsletter.

OBSESSION nasce dalla necessità di raccontare il ruolo del designer in un momento in cui, fortunatamente, la significativa riduzione delle barriere d'ingresso ha reso il design e i suoi strumenti alla portata di tutti. Tuttavia, ciò ha avuto l'effetto negativo di depauperare l'incredibile sforzo che richiede oggi più che mai questa disciplina.

OBSESSION, anche per rispondere ad Andrea — grande amico e persona estremamente stimolante, non è solamente una rappresentazione mentale accompagnata da un vissuto ansioso, ma è un modo per raccontare un tipo di pensiero che va oltre il concetto di 'fatto bene ✔︎', vuole esplorare tutti quei progetti e storie che esistono solo grazie a una dedizione olistica, che abbraccia sregolatezza, perseveranza e cultura.

A tal proposito, vi lascio questo saggio di Silvio Lorusso, un'indagine sulla disillusione che permea il design in un momento in cui il bagaglio di competenze dei designer appare traballante, inconsistente ed è accolto in molti casi con indifferenza.

Se abbandoni completamente la risoluzione dei problemi e ti concentri sulla creazione dei problemi, perdi l'essenza del designer come qualcuno che agisce nel mondo.
— Silvio Lorusso

ISSUE 003

La newsletter di oggi parla essenzialmente di semplicità applicata nel mondo creativo, spesso pensiamo che le idee creative devono essere mastodontiche, complicate per riuscire ad essere visibili in un mondo pieni di messaggi. Le 3 tre storie sono unite dalla musica e dall’uso dei piani sequenza. Buona lettura.

PROTOTYPING

Sono completamente affascinato dalla potenza comunicativa che i video musicali hanno avuto tra gli anni '90 e il 2010, prima dell'avvento delle telecamere digitali ad alta risoluzione e prima che la tecnologia entrasse in modo significativo nella produzione. Uno dei miei registi preferiti è sicuramente Michel Gondry, che ha reso il suo stile "low-fi" un elemento distintivo. Nel 2009 viene pubblicato "Star Guitar" dei Chemical Brothers, un mosaico senza soluzione di continuità di fotografia, video live action, compositing e un po' di CGI. Una versione moderna del piano sequenza.

L'idea è semplice ma potente. Il video si basa su riprese DV girate da Gondry durante le sue vacanze in Francia. Il viaggio in treno tra Nîmes e Valence è stato ripreso dieci volte durante il giorno per ottenere gradienti di luce diversi. Nel video, si possono osservare il Pont du Robinet, la stazione di Pierrelatte e le città di Miramas e Avignone.

Gondry aveva già sperimentato un effetto simile nel suo video per "Around the World" dei Daft Punk, dove aveva associato ogni elemento della musica a un ballerino. Oggi definiremmo questo approccio come "video immersivo", poiché riesce a fondere immagini e suono in modo sinestetico. Quello che ho sempre trovato geniale in Michel è il suo metodo di lavoro, quasi ossessivo nel controllo di ogni dettaglio intorno a sé.

In "Star Guitar", l'uso della CGI è stato essenziale per assemblare i vari spezzoni delle riprese, così come nel processo di prototipazione dell'idea. Gondry ha inizialmente tracciato il ritmo della canzone su carta, indicando dove voleva che gli elementi chiave fossero espressi visivamente.

Davvero molto notevole.

SOUND & MOTION

Zimoun (nato nel 1977) è un artista svizzero residente a Berna, Svizzera, noto per le sue sculture sonore, architetture sonore e installazioni artistiche. Essendo un autodidatta, Zimoun si distingue per la sua capacità di combinare materiali grezzi e industriali, come scatole di cartone, sacchetti di plastica e vecchi mobili, con elementi meccanici come motori a corrente continua, fili, microfoni, altoparlanti e ventilatori.

Le sue opere richiamano le esplorazioni sonore di John Cage, un riferimento che Zimoun stesso menziona in varie interviste. Utilizzando oggetti industriali e materiali trovati, Zimoun riconsidera il ruolo che la tecnologia ha nella vita quotidiana, evocando una nostalgia per dispositivi obsoleti. Le sue sculture riflettono il caos contemporaneo, pur mantenendo l'ordine del minimalismo. La sua vasta produzione comprende interventi architettonici, sculture sonore celebri e una varietà di opere audio che espandono le tradizioni della musica minima, della sound art e della techno minimale. Zimoun sperimenta con materiali che si distinguono per la loro semplicità, conferendo alle sue opere una disarmante e potente efficacia visiva. La cosa incredibile è come tutto ciò che ci circonda possa trasformarsi in musica e movimento.

Vi invito a dedicare un momento all'ascolto e alla meditazione sulle sue opere sonore.

CHOREOGRAPHY

Il piano sequenza è forse uno degli strumenti più coinvolgenti e potenti nel cinema. Richiede una grande maestria tecnica da parte del regista, del direttore della fotografia, degli attori e di tutto il team di produzione. La complessità e sicuramente la sfida tecnica, ma non è da sottovalutare il contenuto dietro alla scena. Quando la tecnica si unisce alla storia, accade qualcosa di magico, anche qui, non servono complessità narrative che si pongano in contrapposizione al flusso naturale delle cose.

Un uso creativo di questa tecnica è evidente in uno degli ultimi video dei Jungle, dove Shay Latukolan crea una coreografia che ha ossessionato anche il pubblico di TikTok con riposte della coreografia.

Un dettaglio notevole è che il video è ricco di opere d'arte con cui era possibile interagire al momento del suo lancio. È stato creato in collaborazione con WeTransfer, la celebre piattaforma di scambio di documenti. Gli spettatori hanno la possibilità di reclamare una delle oltre 10.000 opere presenti nel teatro di posa per partecipare, tramite estrazione, all'assegnazione di uno dei oltre 100 biglietti per il concerto dei Jungle nel loro tour americano.

Tutto il lavoro può sembrare un virtuosismo mirato esclusivamente a ottenere notiziabilità, ma lo trovo un modo interessante di interagire con il proprio pubblico che accresce ancora di più il valore di tutti gli elementi tecnici di regia, rendendo l'intero lavoro un progetto memorabile.

Ci vediamo alla prossima uscita di OBSESSION. Grazie per la lettura.

FARMER
FLUTE
GLASGOW

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GREEN REVOLUTION

Il desiderio dell'uomo di controllare la natura è una tematica che attraversa costantemente la storia umana, riflettendo la continua aspirazione dell'umanità a dominare l'ambiente circostante. Questa tendenza è stata alimentata da vari fattori, che combinano necessità pratiche, il desiderio di sicurezza, il progresso scientifico e le ambizioni di potere. Per Nietzsche, la "volontà di potenza" viene interpretata come il desiderio umano di elevarsi al di là delle limitazioni umane, aspirando a una sorta di divinità individuale.

Ad esempio, nella mitologia greca, Prometeo è spesso considerato un simbolo di sfida agli dei e di ricerca della conoscenza divina da parte dell'umanità. La sua offerta del fuoco agli esseri umani simboleggia il desiderio di acquisire poteri divini, inclusa la capacità di controllare la natura. Anche nelle filosofie più contemporanee, come il transumanesimo, si esplora l'idea di migliorare la condizione umana attraverso l'uso della tecnologia avanzata, giungendo a suggerire che l'uomo possa, in un certo senso, "diventare Dio" controllando e modificando la propria esistenza. Il controllo oltre il mero miglioramento delle proprie condizioni diventa quasi un'ossessione per l'uomo in ogni rivoluzione tecnica, con un grande impatto anche sull'ambiente nelle varie fasi della rivoluzione industriale.

La rivoluzione agricola verde degli anni '50 ha segnato un momento significativo, caratterizzato dallo sviluppo di varietà di colture superproduttive che hanno aperto la strada all'agricoltura industriale, una delle tante nuove modalità di controllo dell’uomo sulla natura. Tuttavia, questa transizione ha comportato l'utilizzo massiccio di fertilizzanti, pesticidi e acqua, causando il degrado ambientale e una considerevole perdita di diversità genetica delle piante.

Bruce Eesly, in New Farmer attraverso l'intelligenza artificiale generativa, ha creato un'opera che ricorda gli opuscoli pubblicati dalle industrie agroalimentari negli anni '60. Attraverso questa pubblicazione, Eesly offre una prospettiva unica sulla storia dell'agricoltura e sugli impatti della manipolazione della natura, utilizzando la tecnologia per ritrarre in modo suggestivo lo stile caratteristico di quell'epoca.

Di quale storia possiamo fidarci?

Scopri il progetto

I SWEAR, I REALLY WANTED TO MAKE A "RAP" ALBUM…

La vita si adatta costantemente all'ambiente circostante; è un intreccio di cambiamenti che si sviluppano gradualmente nel corso del tempo. Pensiamo che quasi tutte le cellule del nostro corpo si rinnovino in un decennio, cambiamo come persone emotivamente e culturalmente, eppure, sebbene siamo immersi in un continuo cambiamento, abbiamo spesso difficoltà ad accettare le trasformazioni delle persone attorno a noi.

Circa un mese fa è uscito "New Blue Sun", il primo disco solista di André 3000, rapper degli OutKast. Niente barre, niente rime, solo il suo flauto in 8 tracce. Questo album ci trasporta in uno stato di sospensione, oscillando tra il desiderio di una parte dei fan di ascoltare un nuovo progetto rap e, dall'altra parte, l'abbraccio alla pura sperimentazione musicale. Per chi conosce bene André, sa che l'intreccio di influenze jazz e la ricerca costante di nuovi suoni sono elementi noti del suo bagaglio creativo; nonostante la sua virtuosità lirica, ha sempre esplorato il concetto stesso di rap, spaziando dalle influenze rock fino a quelle ambient. Un esempio di questa ricerca è l'ineffabile ritornello di "SpottieOttieDopaliscious", una linea di tromba senza parole che incarna la sua parte più spirituale.

In molteplici interviste, André ha condiviso la sua ossessione per la musica sperimentale e la ricerca incessante di nuovi suoni. La sua mente è costantemente in movimento, alla ricerca di nuove idee e di nuovi modi per esprimere la sua arte, confermando che, come la vita stessa, la sua creatività è un fluire eterno di cambiamenti e scoperte.

Eppure, i fan più affezionati si sono sentiti traditi dalle sue parole.

La gente pensa che io stia accumulando rime, non ho rime del genere... tipo: 'Devo farmi fare una colonscopia.' Di cosa parli nei tuoi rap? 'La mia vista sta peggiorando?'

“New Blue Sun" è molte cose, ma forse una di queste è un tentativo di cambiare i termini della conversazione. Trasformare il gioco in uno spazio completamente diverso per affrontare la sua ossessione, come dichiarato nella prima traccia di questo album:

I swear, I Really Wanted To Make A “Rap” Album But This Is Literally The Way The Wind Blew Me This Time.

Ascolta New Blue Sun

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DO YOU SEE OFF-WHITE?

Negli anni '50, la Gran Bretagna si trovava di fronte a un problema. Gli anni di boom postbellico avevano introdotto milioni di britannici alle meraviglie dell'automobile. Le strade del paese, molte delle quali originariamente costruite per cavalli e carri, semplicemente non potevano gestire il nuovo flusso di mezzi. Per complicare ulteriormente le cose, i comuni erano responsabili della fornitura della propria segnaletica, il che significava che un automobilista in poteva superare i confini della contea e vedere direzioni, avvertimenti e avvisi completamente diversi.

Per risolvere il problema delle strade congestionate, la Gran Bretagna aveva bisogno di autostrade ad alta velocità simili a quelle americane. Ma per mantenere la circolazione libera da incidenti, avrebbe avuto bisogno di una segnaletica coerente e unificata. Il compito di sviluppare tale segnaletica fu affidato a Margaret Calvert. Calvert, all'epoca assistente del designer Jock Kinneir, aveva già collaborato con Kinneir per progettare la segnaletica dell'aeroporto di Gatwick. Tuttavia, sarebbe stato il lavoro sulla segnaletica inglese insieme al carattere "Transport" — ancora in uso dopo mezzo secolo — a renderli estremamente noti in tutto il mondo.

All'inizio degli anni '60, Kinneir e Calvert furono incaricati di creare un'identità altrettanto "sobria" per il sistema ferroviario britannico. Il loro carattere, "Rail Alphabet", doveva fornire ai viaggiatori una chiara e efficace distinzione dalle affollate pubblicità che circondavano i cartelli delle stazioni. Rail Alphabet, anche per l'uso negli aeroporti, era disponibile in sei pesi. Il peso più pesante di Rail Alphabet era chiamato "Black". Il peso più leggero di Rail Alphabet invece era l’"Off White". Vi ricorda qualcosa?

Nel 1964, la Kinneir Calvert Associates (Calvert, ora non più assistente ma socia nell'azienda) fu incaricata dagli operatori del nuovo aeroporto di Glasgow di creare "un sistema flessibile, che potesse essere facilmente ampliato e adattato alle mutevoli condizioni e necessità". Il sistema includeva delle lettere bianche ("le stesse usate per British Rail") e, soprattutto, un simbolo modernista ad alto contrasto, "reminiscenza della Croce di Sant'Andrea, con frecce che puntano dentro e fuori".

THE ART OF REMIX

Durante il suo periodo presso Off-White e Louis Vuitton, Virgil Abloh era ossessionato dall'iconografia e dalla cultura britannica. Abloh, laureato in ingegneria civile con un master in architettura, si nutriva della passione per entrambe le discipline. Tenendo conto del suo percorso di studi è difficile credere che non sia entrato in contatto con il lavoro di Margaret Calvert, figura chiave insieme a Dieter Rams, Massimo Vignelli e Charles Eames nell'ambito del pensiero progettuale. Considerando anche il riconoscimento di Abloh per Rams, diventa arduo pensare che non avesse almeno incrociato il lavoro di Calvert prima di lanciare Off-White. Come per la musica, l’arte o il design, una delle abilità sta nel riutilizzare dei riferimenti per farli propri.

In molti concordano sul fatto che l'identità di Off-White sia una delle più potenti realizzate in questi ultimi anni, perché è riuscita a coniugare continuamente riferimenti storici e culturali nel mondo dello streetwear come nessun altro prima d'ora. Il mondo della moda è pieno di designer che trovano ispirazione nel mondo della cultura. La capacità di Abloh spaziava dalla musica all'arte, campionando, riutilizzando e reinterpretando opere di successo, proprio come avviene nel mondo del rap, ma anche nell'applicazione delle nuove intelligenze artificiali generative.

Quindi, remix!

PARANOID
SWOOSH
PROGRAMS

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ONLY THE PARANOID SURVIVE

Quanto è importante un dettaglio?

Qualche settimana fa, SpaceX ha pubblicato un video per celebrare uno dei lanci di Starship, il razzo con cui Elon Musk sogna di portare l’uomo su Marte. Un video potentissimo che mostra tutto il duro lavoro dietro a un’idea in grado di cambiare il futuro dell’umanità. Da notare anche il product placement del nuovo Cybertruck che trasporta tranquillamente pezzi del razzo. Ma tra le tante immagini spettacolari, sono sicuro che molti avranno notato un tappetino del mouse con la scritta “Only the paranoid survive”. Non è un dettaglio, è molto di più.

La frase è attribuita ad Andrew Grove, ex CEO di Intel, che è anche il titolo del suo libro.

Elon Musk la sta utilizzando parecchio nella sua comunicazione, anche con i propri dipendenti.

Ho attraversato la recessione del 2000 e del 2001 e quella del 2008-9 e sono diventato un po’ paranoico all'idea di non farcela durante le recessioni - ha detto Musk ai dipendenti di Twitter quando ha acquistato il social -. Ho un disturbo da stress post-traumatico dovuto allo sforzo di mantenere in vita X.com e PayPal durante la recessione del 2000. E di mantenere in vita Tesla durante la recessione del 2009. Vale la pena ricordare che nel 2009 sia la General Motors che la Chrysler sono fallite. Tesla non lo fece, nonostante fosse una società di veicoli elettrici in pieno avviamento. È stato estremamente difficile tenerci in vita nel 2009. E il motivo per cui siamo stati in grado di farlo è perché siamo stati paranoici. Bene, allora [anche qui a Twitter] saremo paranoici e sopravviveremo.

Elon Musk ha trasformato le sue ossessioni in una vera e propria bandiera. La rete è disseminata di consigli e mail ai suoi dipendenti su come ottimizzare l'efficienza dei processi. È ossessionato dai dettagli più minuti, consapevole del loro impatto tangibile sul risultato di un lavoro o di una semplice riunione. Ma qui c’è qualcosa di nuovo, non stiamo parlando di ottimizzazione ma di puro storytelling, ed è un dettaglio bellissimo.

THE WEIRD SUPERHERO

Anche nel mondo di Nike ci sono stati dei clamorosi flop.

Nel 1996, Nike lavorava a un progetto sperimentale chiamato Nike Sports Entertainment, mirato alla creazione di eventi per promuovere grandi atleti dell'epoca, tra cui volti celebri come Michael Jordan, Tiger Woods, Andre Agassi e Charles Barkley.

Il reparto marketing decise di spingersi oltre, creando un supereroe chiamato Swoosh Superhero. Caratterizzato da un design futuristico, presentava una finitura prevalentemente argento, un audace Swoosh Nike rosso sul petto e due mini Swoosh su entrambi i lati del casco, simili a quelli dell'originale Air Max 97 'Silver Bullet', che sarebbe stato lanciato solo nel 1997. Il progetto fu ideato da Jose Fernandez, noto per il costume di Batman Forever nel 1995 e altri blockbuster futuri.

La produzione dei due costumi costò circa 250.000$ per accompagnare i vari eventi sportivi esclusivi in programma. Tuttavia, nonostante la partecipazione a numerose competizioni in tutto il mondo, tra cui l'atletica leggera in Australia (in omaggio alle origini del fondatore Campbell) e le partite di calcio a Monaco, il programma Sports Entertainment non riuscì a ottenere un'enorme popolarità. Questo avvenne anche perché, a seguito della crisi finanziaria che colpì il mercato asiatico, Nike si trovò costretta a effettuare tagli, concentrando le risorse esclusivamente sulla commercializzazione di calzature.

Cosa non funzionò realmente? Swoosh Superhero rappresentò un ambizioso tentativo di combinare il mondo delle mascotte con quello degli eventi sportivi, ma molto probabilmente era un progetto troppo ambizioso e avanti con i tempi. Il primo film della Marvel sarebbe arrivato solo 10 anni dopo, rivoluzionando totalmente il nostro rapporto con gli eroi. La cura e l'ossessione per i dettagli non possono essere l'unico strumento per creare qualcosa d'impatto per le persone, ma è sicuramente bello vedere dei progetti così coraggiosi che sfidano anche il tempo, specialmente quando vengono realizzati da un brand che ha messo l'ambizione al centro della sua storia.

Vi lascio con questo spettacolare video.

PROGETTARE CON LE GRIGLIE

Come reagiresti se ti dessi un foglio bianco su cui fare un disegno? E se, invece, dicessi: 'Crea un disegno utilizzando solo linee rette'? Siamo portati a pensare che le guide o regole possano diminuire la nostra creatività. Designing Programs di Karl Gerstner è uno dei libri centrali su questo argomento, pubblicato nel 1964, anticipa quello che diventeranno le basi del design computazionale.

La sua idea non era una soluzione ai problemi, bensì la creazione di programmi per affrontare le sfide. Mi spiego: per nessun problema esiste una sola soluzione; possono esistere diverse soluzioni, tra le quali una è la migliore in determinate condizioni. Descrivere il problema o delimitarlo diventa parte della soluzione. Ciò implica non prendere decisioni creative basate solo su sentimenti o estetica, ma adottare criteri intellettuali. Quanto più precisi e completi sono questi criteri, tanto più creativo diventa il lavoro. Gerstner propone la creazione di un insieme di regole, che possono essere griglie, forme o tutti quegli elementi che possono guidare ogni singola scelta progettuale.

Un esempio concreto è il logo di Holzäpfel, che funge contemporaneamente da sistema a griglia, carattere e simbolo distintivo per l'azienda. Il programma di progettazione costituisce la struttura di base del logo, adattandosi dinamicamente a varie realizzazioni di prodotti di design.

Il fascino e l'ossessione di Gerstner per i sistemi traspaiono chiaramente in ogni sua pubblicazione. In "Compendium for Literates: A System of Writing", esplora le teorie che circondano la progettazione del linguaggio e della sintassi come mezzo per creare modalità di comunicazione più efficienti. In un mondo in cui la progettazione sembra complicarsi sempre di più a causa dell'aumento degli elementi con cui abbiamo a che fare, ragionare per sistemi diventa uno strumento per gestire questa complessità.

CURIOSITÀ

Karl Gerstner progetta un carattere tipografico chiamato Gerstner Programm, nel tentativo di armonizzare ed estendere Akzidenz-Grotesk. Il saggio del 1963 intitolato 'The Old Akzidenz-Grotesk on a New Basis' narra la sua analisi di diversi caratteri tipografici grotteschi e la sua decisione di rivalutare Akzidenz-Grotesk:

Preferiamo l'originale Grotesk. Riteniamo che anziché creare nuovi tipi, dovremmo (sottilmente, sottilmente!) migliorare quelli originali, quelli provati e testati. In primo luogo, e in secondo luogo, dovremmo svilupparli in modo armonico, cioè in modo coerente, nel modo più completo possibile."

Forgotten Shapes cerca di riportare alla luce il lavoro tipografico di Gerstner, precedentemente inaccessibile al nuovo pubblico. Questo consente ai designer di esaminare le tecnologie del passato e i loro risultati estetici, fornendo una visione approfondita dei metodi e dell'approccio di Karl Gerstner

CULTURE
DESIGN
OBSESSION

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Le ossessioni possono assumere connotazioni negative, rendendo la nostra vita un inferno e influenzando anche chi ci circonda. Tuttavia, esistono individui capaci di trasformare le proprie ossessioni in qualcosa di straordinario o inaspettato, capace di cambiare radicalmente la percezione del mondo. Questa pubblicazione si propone di esplorare le ossessioni e l'attenzione ai dettagli dietro a importanti progetti di graphic design, arte, cinema e pubblicità. Non si limita solo all'ambito umano, ma abbraccia anche la natura, poiché la progettazione non è solamente un atto umano, ma un risultato del mondo che ci circonda, nel quale siamo completamente immersi.

Ciao, mi chiamo Pietro Spagnolo e mi occupo di design. Ogni giorno sfido i brand a non prendersi troppo sul serio, guardando oltre ai meri numeri in un mondo rumoroso. In questa newsletter atipica, provo a indagare le ossessioni nel mondo creativo. Tre articoli alla volta, senza una ricorsività definita, tutte le volte che ne vale la pena.

Il titolo di questa pubblicazione trae ispirazione da una potente opera del 2008 di Sagmeister Inc. In collaborazione con la città di Amsterdam per il progetto Urban Play decisero di esplorare nuovi approcci aperti al design, allo spazio pubblico e alla creatività in città. Nella piazza Waagdragerhof , insieme a più di 150 volontari, con l'uso di 250.000 monete da un centesimo, realizzarono un'opera tipografica che dice: “Obsessions make my life worse but my work better“ ovvero “Le ossessioni rendono la mia vita peggiore ma il mio lavoro migliore”. Il lavoro richiese otto giorni con una meticolosità nella selezione dei centesimi, dalle tonalità molto ossidate a quelle meno ossidate, per creare quattro tonalità e ottenere diverse sfumature in un'opera fatta per essere portata via.

L'ossessione può assumere diverse forme e significati per ognuno di noi, dalla continua ricerca di aggettivi all'uso delle metafore di Borges, sino all'ossessione per i puntini che invadono perennemente la scena per Kusama Yayoi. Le ossessioni sembrano essere un ingrediente importante nel lavoro di molti dei nostri artisti contemporanei preferiti, e come per ogni tipo di tensione nella nostra vita, l'ossessione può diventare energia generatrice o forza distruttiva. Sta a noi esplorare la nostra profondità.

L'opera di Sagmeister, in un contesto in cui gli interventi urbani cercano di impedire alterazioni da parte del pubblico, diventa un pezzo potenzialmente autodistruttivo. Le monete rappresentano un certo valore, ma anche il disegno è di una bellezza tale da sfidare il passante. Lo lasceranno intatto per la sua bellezza? Inizieranno a realizzare un disegno con i centesimi stessi? L'avidità prenderà il sopravvento?"

FUN FACT

Sembra che la polizia di Amsterdam sia stata chiamata da un cittadino per denunciare il presunto "furto di un'opera d'arte". Secondo la storia, le persone stavano raccogliendo alcune monete, come previsto nel progetto, ma le cose sono sfuggite di mano. La polizia, rispondendo alla segnalazione di furto di rame, si è recata sul luogo, dove gran parte delle monete era ancora al suo posto. Tuttavia, non era chiaro chi fosse il proprietario del denaro e perché le monete fossero sparse nel parco. Per preservare il denaro da possibili malintenzionati, in collaborazione con il servizio calamità del comune, la polizia ha raccolto tutte le monete rimaste e le ha depositate presso un loro ufficio.

Nel frattempo, è emerso che la polizia era a conoscenza di questo progetto artistico, ma l'informazione non era stata comunicata agli agenti di polizia in servizio. Successivamente, la polizia ha restituito le monete, anche se l'opera d'arte è durata meno del previsto.

Ci vediamo per il primo numero di "OBSESSION". Iscrivetevi se volete rimanere aggiornati o condividete nella vostra rete.